65 Théâtre (s)

Octave, bohème et libertin, plaide auprès de Marianne, sa cousine par alliance, la cause de son ami, le timide et romanesque Cœlio. Mais il n'obtient d'autre résultat que d'intéresser la jeune femme en sa propre faveur. Par «caprice», elle lui offre un rendez-vous. Octave alors s'efface au profit de Cœlio, mais le fait ainsi tomber dans un guet-apens.Drame de l'amitié autant que drame de l'amour, les Caprices sont surtout le drame de l'identité perdue : Cœlio est le double d'Octave ; Octave est «une autre Marianne». Le chassé-croisé des personnages, divaguant comme Octave toujours ivre, errant comme Cœlio définitivement perdu dans ses rêves, ou trottant comme Marianne allant et venant de chez elle à l'église au rythme des heures canoniales, fait du caprice à la Goya la figure même d'un destin cruel et absurde.

Après Sophocle, J. Anouilh reprend le mythe d'Antigone. Fille d'Oedipe et de Jocaste, la jeune Antigone est en révolte contre la loi humaine qui interdit d'enterrer le corps de son frère Polynice. Présentée sous l'Occupation, en 1944, l'Antigone d'Anouilh met en scène l'absolu d'un personnage en révolte face au pouvoir, à l'injustice et à la médiocrité.

Agamemnon, le Roi des Rois, a sacrifié sa fille aux dieux. Son épouse, Clytemnestre, aidée de son amant, Egisthe, l’assassine à son retour de la guerre de Troie. Oreste, le fils, est banni. Reste Electre, la seconde fille. « Elle ne fait rien. Elle ne dit rien. Mais elle est là. » Aussi Egisthe veut-il la marier pour détourner sur « la famille des Théocathoclès tout ce qui risque de jeter quelque jour un lustre fâcheux sur la famille des Atrides ». Mais Oreste revient et désormais Electre n’est plus que haine, assoiffée de justice et de vengeance, au mépris de la menace qui pèse sur le royaume des siens. Sur ce grand mythe de l’Antiquité, Jean Giraudoux a écrit sans doute sa meilleure pièce. Electre possède une grande force tragique sans jamais perdre cet esprit étincelant, cet humour qui ont fait de Jean Giraudoux l’un des plus grands écrivains du xxe siècle.

Antigone est la tragédie grecque la plus célèbre, la plus achevée, et c'est la pièce qui représente le tragique de la condition humaine de la façon la plus saisissante. Du siècle de Périclès à celui de Néron, de Robert Garnier (1580) à Jean Anouilh (1944) et à Bertolt Brecht (1948), Antigone est restée vivante, actuelle, à travers les reprises et les adaptations. Cette édition commentée de la pièce originale tente de faire comprendre un succès si extraordinaire et de l'élargir au public contemporain. L'introduction analyse la nature de la tragédie grecque classique et situe la pièce de Sophocle dans cet ensemble de chefs-d'oeuvre fondateurs. Le texte, dans la traduction du grand helléniste Paul Mazon, reçoit une présentation et une annotation nouvelles destinées à faire sentir la construction et les harmoniques de l'oeuvre. Le commentaire est ensuite consacré à l'étude d'Antigone et de sa réception dans la littérature et la pensée occidentales. Traduction de Paul Mazon, revue par Jean Irigoin. Introduction, notes et commentaires de Paul Demont.

Peterbono, Hector et Gustave sont trois redoutables voleurs cherchant à détrousser les curistes de Vichy et séduisant les jeunes filles de la bonne société afin de s'introduire dans les belles demeures. Gustave tombe amoureux de Juliette dont la tante, qui n'est pas dupe, cherche à s'amuser de tout cela en hébergeant la bande de voleurs chez elle. Avec un petit carnet de mise en scène.

Un pique-assiette vieillissant victime d'un couple hystérique, un mari jaloux aussi peureux que vaniteux, un plumitif sympathique négligé par son épouse frivole, voilà quelques-uns des personnages que Courteline nous présente avec humour dans trois vaudevilles minimalistes. Virtuose du dialogue incisif, Courteline mêle l'extravagance loufoque de la farce à la satire et à la dérision pour nous faire sourire. La Peur des coups, Les Boulingrin, La Paix chez soi : trois scènes de ménage mémorables pour découvrir ou relire un classique du rire.

Le petit James mène une existence bien malheureuse auprès de ses deux tantes très méchantes, qui ne cessent de le tourmenter et de le maltraiter. Mais, un jour, il rencontre un curieux personnage : un vieil homme qui lui confie un sac rempli de mille petites choses vertes recelant tout le pouvoir magique du monde. Une adaptation pour monter l'histoire en pièce de théâtre.

Corneille aurait-il lu Pirandello ? A se laisser prendre à L'Illusion comique, à se prêter avec délectation à ces jeux d'ombres où, dans le miroir d'un magicien dramaturge, le théâtre donne à voir le reflet de lui-même, le doute ne semble pas permis : Corneille est bien pirandellien ! Ce qui n'exclut pas qu'on puisse se demander, à le voir mettre en question la représentation par cette distanciation qu'il établit entre le spectacle et son spectateur, s'il ne serait pas aussi un peu brechtien. A moins qu'on se dise qu'à tout prendre, à le regarder jouer avec le réel, changer de lieux et de décors, se complaire aux mirages de l'illusion et au bric-à-brac romanesque, mêler la féerie à la fantaisie et au drame, il pourrait bien être aussi quelque peu shakespearien !

Rapprochements flatteurs, à l'évidence, mais qui recouvrent le talent dramatique de Corneille d'une tunique patchwork où sa couleur propre disparaît, au point qu'ils incitent finalement surtout à regarder cette pièce curieuse pour elle-même, en se demandant si, au bout du compte, avec L'Illusion comique, Corneille ne serait pas aussi, tout simplement, cornélien...

Une pièce à jouer tous les soirs dans sa tête ou sur les planches, cela fait beaucoup de pièces. Une pièce pour les pleurs et une pour les fous rires, une autre pour déclarer sa flamme ou pour passer sa rage, cela fait beaucoup de pièces différentes. Mille ans de contes - théâtre, tome 1 a planté le décor pour tous les acteurs en herbe : Knock ausculte, don Diègue s'emporte, Arlequin s'enflamme, le bourgeois gentilhomme apprend ses voyelles, Amer parle bleu, Roméo se meurt, maître Pathelin pateline... Mille ans de contes - théâtre, tome 1, ce sont les pièces d'autrefois, de toujours et de maintenant pour tous les enfants d'aujourd'hui.

* Pièce en deux actes pour cinq personnages écrite en français entre 1948 et 1949.

* En attendant Godot a été créé le 5 janvier 1953, à Paris, au Théâtre Babylone, dirigé par Jean-Marie Serreau, dans une mise en scène de Roger Blin, avec la distribution suivante : Estragon (Pierre Latour), Vladimir (Lucien Raimbourg), Lucky (Jean Martin), Pozzo (Roger Blin), un jeune garçon (Serge Lecointe).

«La guerre de Troie n'aura pas lieu», dit Andromaque quand le rideau s'ouvre sur la terrasse du palais de Priam. Pâris n'aime plus Hélène et Hélène a perdu le goût de Pâris, mais Troie ne rendra pas la captive car pour tous les hommes de la ville «il n'y a plus que le pas d'Hélène, la coudée d'Hélène, la portée du regard ou de la voix d'Hélène », et les augures eux-mêmes refusent de la laisser partir. Hector, pour Troie, et Ulysse, pour la Grèce, tentent à tout prix de sauver la paix. Mais la guerre est l'affaire de la Fatalité et non de la volonté des hommes. La guerre de Troie aura lieu. Pièce en deux actes, La guerre de Troie n'aura pas lieu a été représentée pour la première fois le 22 novembre 1935 au Théâtre de l'Athénée, sous la direction de Louis Jouvet. Son succès fut éclatant et immédiat et ne s'est jamais démenti depuis.

Séville, à l'aube, Figaro reconnaît son ancien maître, le comte Almaviva, qui tente de se faire aimer de la jeune Rosine sous une fausse identité...
S'inspirant de la comédie classique, de la comedia dell'arte, de l'opéra comique et du roman picaresque, la pièce de Beaumarchais rend hommage à Molière tout en assouplissant les règles établies.

Le dossier
- Les repères historiques, culturels et littéraires
- L'étude du genre
- Des groupements de texte
- Une préparation au baccalauré

Seize personnages, quatre-vingt-douze scènes, mille six cents répliques, une profusion de décors et de costumesà Pas de doute, Le Mariage de Figaro est bien la superproduction du XVIII e siècle ! Si l'on ajoute à cela une bataille de cinq ans pour faire jouer la pièce et un auteur à la réputation scandaleuse, on comprend mieux le retentissement qu'a eu cette œuvre jusqu'à nos jours. Et cependant, il y a tellement de meilleures raisons de lire Le Mariage de Figaro ! Beaumarchais y donne libre cours à son génie, entre jalousie, désir, bons mots et coups de théâtre. Et sous son agréable apparence de comédie divertissante, la pièce nous entraîne, à la veille de la Révolution française, dans une importante réflexion sur les inégalités sociales, le rôle des femmes et le droit de chacun au bonheur. Bref, voici une pièce légère et profonde, qui fait rimer amour et humour le mieux du monde. Cet ouvrage propose : • le texte intégral, • des notes explicatives, • des questionnaires au fil du texte, • un appareil pédagogique comprenant des bilans, des documents sur l'œuvre et son auteur, ainsi qu'un parcours thématique.